New User Special Price Expires in

Let's log you in.

Sign in with Facebook


Don't have a StudySoup account? Create one here!


Create a StudySoup account

Be part of our community, it's free to join!

Sign up with Facebook


Create your account
By creating an account you agree to StudySoup's terms and conditions and privacy policy

Already have a StudySoup account? Login here

Fine Arts 101

by: Marina P

Fine Arts 101 FINE_ART 101

Marina P
GPA 4.0
View Full Document for 0 Karma

View Full Document


Unlock These Notes for FREE

Enter your email below and we will instantly email you these Notes for Fine Arts

(Limited time offer)

Unlock Notes

Already have a StudySoup account? Login here

Unlock FREE Class Notes

Enter your email below to receive Fine Arts notes

Everyone needs better class notes. Enter your email and we will send you notes for this class for free.

Unlock FREE notes

About this Document

All the notes from every week so far, just incase you haven't been paying attention before the next exam.
Fine Arts
Pamela Lee
Class Notes




Popular in Fine Arts

Popular in Art

This 28 page Class Notes was uploaded by Marina P on Thursday January 21, 2016. The Class Notes belongs to FINE_ART 101 at Washington State University taught by Pamela Lee in Fall. Since its upload, it has received 24 views. For similar materials see Fine Arts in Art at Washington State University.


Reviews for Fine Arts 101


Report this Material


What is Karma?


Karma is the currency of StudySoup.

You can buy or earn more Karma at anytime and redeem it for class notes, study guides, flashcards, and more!

Date Created: 01/21/16
Fine Arts 101.1 Tuesday 1/26/16 Topic 1:  Portrait of a Queen Mother (also known as Pendant Mask), Edo / Beni ­from the Court of Benin, early 16th century, Beni culture, Nigeria   •  Ivory and iron inlays; height 9 3/8" (Life size) A mask (Not one you wear over your face) as a countenance, a portrait, a likeness of a face. –The eyes on the portrait are rusted iron, and had scarification on head for decoration purposes. A pendant as a hanging ornament, worn from the waist or the neck Kingdom of Benin / Edo: This portrait comes from the court of Benin (the people).  ­This was a kingdom long ago, geographically part of Nigeria today, but not the same society. The portrait was carved of Ivory (tusk of an elephant).  ­The king wore the pendent around his waist or neck (Ivory is fairly light).  Dynastic Rule 1440­1897: There was a clash between Europe and Africans in the court of Benin.  A royal art: Only royalty could commission for portraits of themselves. Artists who made portraits of non­royalty would have their head cut off. Relations with the Portuguese: In 1485 they sailed in (Brought silk, jewels, musical instruments, musket, and gun powder). The relationship was mutually beneficial. Benin offered them palm oil, ivory, pepper, and wood. However, the musket and gun powder brought war; soon enough Benin enslaved their neighbors and sold them to the Portuguese and Dutch.  “oba” named: “Oba” means King (Alter to an Oba). The kings name was Esigie uled 1504 – 1550. The King owned the crown. “iyoba”: Queens mother (Mother of king). Her name was Idia: She was a powerful and smart lady who convinced her son to kill his half brother in order to rule the kingdom. Motif = 1) subject matter 2) A repeated pattern or design Olukun: The tiara around the portrait was of a sailor and mudfish. Olukun was the god of wealth and amphibious. It was believed he would navigate between sea and land and brought the king wealth.  Artistic Intentions, Historical Reference and Appropriation We have looked at a range of historical and contemporary art in our few weeks together.  In learning to encounter art, I suggest you approach art as visual communication that you ask: Why does it look that way? What is the artist trying to express, and then is the work of art  successful in its expression.  We are learning concepts and vocabulary to help you critically analyze a wide range of visual  art. Historical and contemporary art is often based on symbolism, cultural and historical references.  Education and knowledge is important for comprehension of the references and allusions. Some art is aesthetic, full of dignity and measure, other art reflects the harshness also a  part of human experience. The understanding of art is enriched by being privy to the historical allusions and  references. (Art can be a visual communication to find meaning in the world). Examples: Les Femmes du Maroc: La Grand Odalisque, 2008, by Lalla Essaydi refer to text pp 126­ 127 (Controversial, depiction of Allah on the women in the image’s back) Grande Odalisque, 1814, by Jean­August Dominique Ingres, refer to text pp 359­361 The Power of Art authors, in the Glossary at the back of the Third Edition define  appropriation in art: Readymade sculptures or pop art.  The 20  century had many examples of image appropriation. Post Modernism th Pop Art was a 20  century art Modern Art movement  • Was at its peak in America and England in the 1960’s and 70’s • It borrows images from contemporary popular and commercial culture, and then  recreates the images using fine art media • It confused the boundaries between high art and low art Andy Warhol Roy Lichtenstein­ Looked at comic books and made them into oil paintings. Claus Oldenburg and Coosje van Brugen­ Made everyday objects huge.  Media refers to the materials and the techniques used to create a work of art. Medium is the singular form of media. There are many contemporary artists (working now in the 21  century) who appropriate,  borrow and recontextualize images that are not Pop Artists. Examples: An Inner Dialogue with Frida Kahlo by Kazumasa Morimura / Thinking About  Death, 1943, by Frida Kahlo (He dressed himself up in famous portraits).  Topic 2: Carrie Mae Weems, American Artist Born in Portland Oregon in 1953 Recognized for her photography­based narrative art that investigates race, gender, society and history from the vantage point of her perspective MacArthur Genius Award You Became a Scientific Profile & Photographic Subject the Getty Series  From Here I Saw What Happened and I Cried, by Carrie Mae Weems, a contemporary  American artist   medium sized chromogenic color prints with sand­blasted text on glass,  25 5/8” x 22 ¾”   refer to the DVD excerpt from Art: 21 and text pp. 123­127 Contemporary Approaches Opening a can of worms: You Became a Scientific Profile & Photographic Subject The inspiration for the series: Inspired by black subjects and how they have been used.  Original photos taken in the nineteenth century: The photographs were procreated.  Subjects were African slaves: Often naked women. Studied “scientifically” The series: She has 30 photos in the series. Harvard’s involvement with the series: She had taken photos from Harvard’s archives  and so they tried to sue her for it.  Weems’ biographical information: She had a large family and a good relationship with  them. She moved out when she was 16 though (because she was ready), and never returned. Weems was daydreaming about the Birmingham Riots: In the 1960’s images started  moving, and she had her own students make a series of actions/recreation. Series of recreations / constructions of history: Recreated various important people in  history, showing construction.    refer to the DVD excerpt from Art: 21 and text pp. 123­127 Contemporary Approaches Fine Arts 101.1 Thursday 1/28/16 Announcements: 1. “I am possibly skipping some study slides next week” So keep up with any  changes. 2. Do not wear strong perfume to class, it can cause severe asthma in me. This is very  important, please. Topic 1: General Style Categories    Sty  in art refers to an identifiable and recognizable set of visual characteristics.  This  identifiable set of characteristics can be associated with a particular artist, a group of  artists in a period of time, or with a culture. (Form includes style) Some artists' works can be recognized by their style, by those characteristics that are consistent  and identifiably theirs. Some art historical movements also have recognizable and identifiable style characteristics,  though art historical periods and general style categories are two different approaches to  analyzing art.  Art history considers art in the cultural and chronological context. Recall that form refers to all the visual aspects of a work of art, including style, media, the visual  elements, composition, perspective, etc.  There are two broad categories of style, into which most works of art fit.   The two broad categories of style are: Representational Art and Nonrepresentational Art Objective Art and Nonobjective Art Depictive Art   and   Nondepictive Art Figurative Art    and   Nonfigurative Art    Learn the synonyms: these terms are used interchangeably    Nonrepresentational art does not attempt to portray any real object or person. •There is no recognizable subject matter. • There can be content (meaning) to some viewers. Learn the synonyms for nonrepresentational: write them here, after class when you are  studying. Example of nonobjective art and how style and art history is separate ways of analyzing  art: Jackson Pollock’s painting, an example of the historical Action Painting movement  (Some see emotions in it). No subject matter Content – For many, the gestural marks convey content (meaning)    Donald Judd’s sculpture, an example of the art historical Minimalist movement  (Minimalism: A movement towards minimal communication from art to viewer).     No subject matter Content – Judd did his best to restrict the human propensity to find meaning. His works  are untitled.  Representational art depicts object or people in some recognizable form •To some degree, objective images portray nature. –The visible world of people’s things.  • In this context, nature refers to the visible world of people and things Remember the synonyms: write them here, after class when you are studying. Objective,  Figurative, and Depictive. (When you can name subject matter). examples: Robert Arneson’s Portrait of Jackson Pollock       Duane Hanson’s Lady with Shopping Bags      Paul Cézanne’s Mont Sainte Victoire       Li Cheng’s A Solitary Temple amid Clearing Peaks  Edvard Munch The Scream (The Shriek)     ► ► Representational art includes subcategories: Realism / Naturalism­ French impressionists would paint things the way  your eyes actually see them (Realism).  Abstract Art Expressionistic Art Topic 2: Mont Sainte­Victoire by Paul Cézanne, a Post­Impressionist artist   a medium sized oil on canvas painting, 27 ½" x 35 ¼"; 1902­1904 (Moderate  size)   refer to text pp. 392­393 Mont Sainte­Victoire The artist’s intentions  He was obsessed with searching for a solidity and unity of form in nature  He looked for geometric solids in nature  He wanted to make Impressionism solid and durable like the art of the museums The method used: He used a stiff bristle brush and painted on oil canvases with it. He did not  use underdrawing and did not use shading. This stiff flat brush created the choppy marks distinct  to Cézanne. He felt linear perspective was “a lie”: The thought these laws and rules were unreal and made  up. His influence of art history:  Cezanne is regarded as a pivotal modernist painter. He created art that was  representational, but not a strict realistic depiction of nature. He asserted that a painting  was a painting, and not a mere depiction of nature (the visible world). Cezanne’s work would come to be seen as the precursor, the antecedent to Cubism.   text pp. text pp. 392­393 Realism / Naturalism  Realism / Naturalism is the portrayal of people and objects as they are seen to be in  nature.  •Accuracy is emphasized. • There are no deliberate distortions, nor expressionistic liberties. Examples & Discussion: Chuck Close­ Fanny Finger Painting 1985­ 8’6 x 7. Oil canvas.  He also drew a large self portrait of himself.  Remember that art is artifice Realism is a style category; it is not reality. (For example: A bowl of grapes doesn’t always  look realistic). Topic 3: American Gothic, by Grant Wood, a Modern American artist  medium sized oil painting, 29 7/8” x 24 7/8", 1930 The inspiration: (Not the people) His inspiration was the house. He drove by it, took a sketch of it and later went back to it to finish. He also got inspired by looking at old photo albums.  Vernacular architecture: It is a regional style of architecture. The vernacular architecture in  this painting is called Carpenter Gothic. The models: His dentist was chosen to be the farmer, and his sister was the farmer’s wife.  Publicity and awards: He had a deadline for this painting, because he was taking it to the  American Painting Show in the Chicago Institute of Art. It was later bought for $300 and won a  prize for $300 ($600 a lot back then).  Biographical, historical and historical references: The controversy on the painting became  iconic. Regionalism: Was an American modern era and movement in the U.S. from 1920­1950.  Regionalist artists realistically depicted scenes of rural life.  ­Regionalists rejected European abstraction.  Judgement calls: If you unsure if a work of art is naturalistic, use the broader style  category Fine Arts 101.1 Tuesday 2/2/16 Topic 1:     Art historical eras and movements  /  style categories  Photorealism / Photorealist Paintings / Super­realist or Hyper­realist sculpture • Involves exacting realism and precision in rendering with the additional aspect  that the work includes the photographic vision of reality.  • This art historical movement was at its height in the U.S. in the mid­1960’s and  1970’s (Art history involves culture and time) ­Realism or naturalism is the portrayal of people and objects as they are seen to be in  nature. ­Accuracy is emphasized ­There are no deliberately nor expressionistic liberties  Painting: Wheel of Fortune by Audrey Flack, a contemporary (artist that is still alive) American artist   large painting. (8' x 8'), oil over acrylic on canvas; 1977­78   example of a Photorealist painting  refer to text pp. 452­453 First Photorealist work: In 1964 Kennedy was assassinated, and Audrey Flack was interested  in grief. She used a photo of him to look at, and then painted from it. The artist’s working method: (It is representational, depictive, objective, figurative). Worked  on still­life painting and worked traditionally (with a large table set up). She arranged it how she  wanted it, took pictures, and put them into a slip projector. The image was projected onto a  canvas and she drew the contour lines onto the canvas. (Critics called this “cheating” or a “short  cut”). Selects subject matter for symbolism: She wanted the viewer to look at the subject matter. She  kept her viewers in mind and wanted them to understand/think certain thoughts. Each object in  her paintings held a symbol. (for example: this painting could symbolize mortality, time, youth,  or beauty). Part of a series of contemporary versions of types of historical paintings called:  Vanitas =Baroque still life paintings that used objects to symbolize the fleeting nature of  life and thus the folly of people’s desires for wealth and beauty. (A type of genre). For  example: Paintings of messy table scenes.  The Baroque Period refers to art created in Europe from c. 1600­1750. (At this period, many people were limited in color choice) Memento Mori = A skull is included in an artwork to symbolize the passing of life, and thus the futility of greed and vanity. (A type of genre)  • Latin for remember death  Trompe­l'oeil   is art rendered with such exacting realism that the viewer can be fooled  into thinking that the subjects are real rather than painted or sculpted. • The scale of the subject matter is the same size as the real life object. Topic 2: Janitor, 1973, by Duane Hanson, a Modern American artist  life­size sculpture, cast of fiberglass and polyester resin, polychrome,  mixed media (So realistic they are uncanny)  In terms of art history, this is both Modern and a Superrealist sculpture  refer to text pp. 452­453, casting 158­159 Oeuvre = The entire body of an artist’s life’s work (To replicate human)    Casting the figures: Used silicon rubber and made negative mold. (Had to do each part of the  body piece by piece).     “Types” of people: He made regular people: old people, kids, security guards, a janitor,  salesperson, and women.     Content: Critics often said he has a love/hate relationship with middleclass America. (He often replicated middle aged whites, “ordinary people”).  They said he was “satirizing ordinary  people”    Style categories: People said it is “like a documentary report”    text pp. 452­453, casting 158­159 Topic 3: Spooning Couple, 2005, by Ron Mueck, a contemporary Australian­ born artist  underlife­sized sculpture, 5 ½” x 25 5/8” x 13 ¾”,    cast of fiberglass and polyester resin, polychrome, and mixed media (Polychrome:  multicolor)   refer to text pages: casting 158­159, scale and proportion 59­63 Ron Mueck’s early career in the applied arts: He worked with commercials, films, TV.  ­ He made human models, and often used different aged people.  Entry into Fine Art in 1996, mother­in­law Paula Rego: She was already famous and helped  him. The Saatchi brothers collect art and sell and buy art. The Brothers wanted Muecks art which made him famous. Scale refers to size in relation to some constant or normal size.  Scale is relative size. If an object or figure appears like you would expect, then it is at normal scale. If an object or figure seems larger or smaller than you would expect, then it appears out of  scale. The scale of an object or figure can be compared to either other objects or figures, or scale  can be judged in relation to the general format of the artwork. Proportion refers to the size of part of a figure in relation to the whole figure.  If the proportion is normal, then the parts to the whole are what we would expect. Ron Mueck manipulates scale, and ages of figure. (Change scale= change idea)  Compare the form and the content of Hanson (Life size, and used real people), and Mueck’s  (Tiny, used clay to shape them) sculptures. Compare the method of creating the sculptures of Hanson and Mueck’s works. ­Mueck makes: the mold first out of clay, then negative mold, and then casts it out of polyester  resin.  Fine Arts 101.1 Thursday 2/4/16 Abstract Art  Abstract art depicts objects and figures in simplified, distorted, or exaggerated ways.  • Color or shape can be changed or exaggerated • The subject matter does have some connection with and resemblance to the visible world  of people and things. In my lectures, in terms of the two broadest categories of style,  abstract art is: objective, depictive, figurative, and its representational. (Can name things) (See text glossary p. 485, p. 37) Abstract art is not synonymous with   nonobjective art.  There are degrees of abstraction.  (Shapes are often simplified) See text glossary p. 485, p. 37 Some artworks involve highly abstracted forms, yet still retain a connection to  the natural and visible world; such works are abstract and still representational.   Artworks are nonrepresentational (or nonobjective) only when there is no  connection at all to the natural world. In other words, when there is  no recognizable subject matter.    Pure abstraction = nonobjective art.  Henri Matisse had an innovative and enduring influence on Modern art Topic 1: The Red Room (Harmony in Red) by Henri Matisse, a French Modern  Era artist (Middle class)  large oil on canvas painting, 5' 11” x 8' 1”, 1908­09  refer to text pp. 53, 398­400, 406   Les Fauve / The Fauve Movement in Modern Art history  The first 20  century art movement; in Paris the center of the western art world     ~1905 – 1908 (Was Paris, now it is New York)  Fauve movement was named by an art critic, who called the color ‘violent’.  Les fauves  means the wild beasts.    saw color as autonomous, not restricted to nature’s colors; used arbitrary color  abstracted subject matter (An autonomous and arbitrary are the same). “A colorist”   rejected delicate brushwork + careful modeling in highlights and shadows   saw themselves as successors of Paul Gauguin and Vincent van Gogh ­Color was used for creating an emotional expression The Red Room (Harmony in Red)­ Was commissioned work for Russian collector Sergei  Shchukin. It was for hid dinning room and very large (6ft high, 8ft wide). Sergei Shchukin  wanted the painting to be blue, so it would match his blue dinning room walls, but Henri Matisse could not stand it and painted it red. The subjects and themes that typify his oeuvre ­ the beauty of the human body, still life  subjects, and domestic interiors What were Matisse’s artistic intentions?  “What I dream of is an art of balance, of purity and serenity devoid of troubling or  depressing subject matter, a soothing, calming influence on the mind, rather like a good  armchair which provides relaxation from physical fatigue” – Henri Matisse, French artist,  1869­19 ­He believed “It lead him,” “It called him”. (“It” being art). As if he had no choice.   text pp. 53, 398­400, 406 (Use extra paper as needed) Topic 2: Pablo Picasso had an innovative and enduring influence on Modern  art Picasso was known for many styles: 1 With Cubism, subjects are flattened into planes and geometric facets, and then  reassembled to create a striking abstract picture.  The artists were representing multiple viewpoints.  This is an intellectual / theoretical approach to making pictures. It reinvented pictorial  space. ­It confused pictorial faces.  Topic 3:  Les Demoiselles d'Avignon by Pablo Picasso, during the Modern Era  a landmark Cubistic  painting / “set the stage for Cubism”  large oil on canvas painting, 8' x 7'8";  1907  refer to text pp. 401­408, 28­29 ­Picasso painted his women like an emotional reflection (how he felt about them). ­Pictorial space ­Influenced by “African mask” and Iberian sculptures A revolutionary painting: The established tastes in artists did not like it (Realism= did not like  it). Cubism follows what Paul Cezanne started. (Use geometric fascinates to paint) Pablo Picasso and Georges Braque collaborated on developing the visual vocabulary of  Cubism, working together from 1909 to 1914. (Originally Braque said it was “monstrous”)    text pp. 401­408, 28­29 (Use extra paper as needed) Topic 4: Woo by Tony Oursler, a contemporary American artist  Mixed media: Fiberglass sculpture, Sony VPL CS5 projector, DVD and   player, 33 x 35 x 16­inches   Refer to text pages 165­166 The artist: From Manhattan. His family supported him, and so he went to school in California.  However, at that time/place, it was conceptual art. In 1981­ he moved back to New York and became a video artist. The form: It was an object that a video was projected onto.  The content: Looked at the strange relationship humans have with technology.  Fine Arts 101.1 Tuesday 2/9/16 Topic 1:                                                     Expressionist Art  Expressionistic art involves the distortion (sometimes for extremely passionate love, but  often for uncomfortable things) of shape or color to achieve emotional intensification, to  express some strong emotion or heightened psychological state. To establish a dividing line between realism and expressionism, the distortions (in  expressionistic art) go beyond the point where we can accept the possibility of objects  existing as the artist has represented them. Expressionistic art fits into the broad style category of: Representational, figurative,  objective, depictive. Expressionistic art could also be considered a sub­category of abstract art; the difference  would be that the distortions of shape or color with expressionistic art would be for the  purpose of communicating a Heightened, emotional or psychological state. Examples of expressionistic artworks to clarify this distinction: The Intrigue (1890) by James Ensor: Indicative, does not look like reality. Ensor’s view on  society (Made society look ugly). Portrait in Hell (1903), The Cry (1893) by Edward Munch: Shows a heightened psychological or emotional state. Echo of a Scream (1937) by David Siquieros: Looked at as a “Hero of the Revolution.” He was tired of explaining how it was to fight, so he painted it (A baby streamlining in battle). Woman I (1950­1952) by Willem de Kooning:  (A scary looking woman)  Realistic­ Looks like people/real world Expressionistic­ Heightened communication (scared), people look different (faces don’t really  look pretty/ not accurate people). Topic 2: The State Hospital by Edward Kienholz, Modern Era, American artist   a large, mixed media sculpture, 8' x 12' x 10', 1966        life­size figures that are cast from life, then artistically altered     ­the­signs­of­the­times/ (read)    Ward 19 is a cell for "senile, psychotic" patients: Senile, psychotic is now known as  Alzheimer’s dementia.    First displayed in 1966, Los Angeles County Museum: Shocked many viewers. Many  thought it was ugly, gruesome and upsetting. The parts of the piece were taken from an old state  hospital; the smell was so bad (but also part of the expressionistic art). The people’s heads were  made of fishbowls with fish swimming in them.    The artist's intentions: Used the smelly mattress to show what state hospital’s could smell  like. He aimed to aware viewers of the social injustices of the world.     The night view:  He had worked a night shift when he was in college and saw parents put their kid into a state hospital for being a trouble maker. The kid then had electrotherapy and turned  into a vegetable (mentally fried).    In terms of style categories, this would be considered objective, abstract, and  expressionistic.    In terms of art historical movements, this fits into the Modern Era: Modern injustices and  how society treats people with “Alzheimer’s dementia.”    The model for casting the figure: His friend dying in a hospital from lung cancer was casted. Fine Arts 101.1 Thursday 2/11/16 Topic 1:                                                  Nonobjective Art   Nonobjective art      (nondepictive, nonrepresentational, nonfigurative, pure abstraction) Art in this style category does not attempt to portray any real object or person. •There is no recognizable subject matter. • There can be content (meaning) to some viewers. Viewers may try to find meaning  from even a simple title. Abstracting all the way to "Pure Abstraction" can be viewed as a process, graduating from an  abstracted image that has a connection to the visible world, removing the recognizable qualities  of a subject, until one reaches a stage when there is no connection to the visible world of people  and things. When there is no recognizable subject matter, (Object not reproduction of something  else in nature) one has a nonrepresentational (or nonobjective) image. Pure abstraction is the  same as nonobjective art.   Abstraction can be considered a process.  ­D. Judd: Minimalist­ Nonobjective sculpture. Subject matter with no content. Examples:  Theo van Doesburg ­ The Cow: He sketched a cow, abstracted it and simplify it more.  Pure abstraction= Can not see anything/can not see a cow. Non representational.  De Stijl, see text p. 428 Constantine Brancusi – Bird in Space, see text pp. 408­409  A Rorschach ink blot effect: Psychologists and therapists have. It is a shape, and they  ask “What do you see when you look at it?” To determine a few things. Jackson Pollock’s drip paintings: We project onto art/ nonobjective. ►In the 1980's, a nonrepresentational sculpture caused public uproar and       a lengthy court battle: Public art  Topic 2: Tilted Arc by Richard Serra, a Contemporary (Still alive) American artist   in terms of art history, this is an example of Minimalist Sculpture   a large sculpture made of Cor­Ten steel, 12' x 120' x 2½” & 73 tons    was installed at Federal Plaza, New York City from 1981­1989   refer to text pp. 64­65, 451­452 ­A highly controversial topic    Corten steel - Once used for industrial fabrication.  - Minimalists adopted it as an art material - Forms a layer of outer rust that is supposed to protect the metal from degradation    Commissioned by the Art­in­Architecture division of the General Services Administration;    part of the program that allocates 0.5%. More than 7,000 workers in surrounding buildings signed petitions: So many workers  thought it was ugly, it was in the way, the rust was dangerous, and unsafe for security reasons.  The petition was brought to court, to be removed.  ­Some people believed that tax money should not even be spent on art. ­And who decides/ chooses the art to be displayed? A committee.  Three­days long hearing headed by GSA and a panel of five board members: 58 people  talked against it (the public), and 122 talked for it. The sculpture was defended by: The art committee. They wanted to keep it and art  professionals explained how the public did not understand minimalism.  One man summed up the feeling of many saying it should be relocated to a metal  salvage yard… The decision: That the art was to be removed, and that the GSA would relocate it. Serra’s response: Was upset and filed a 30­million­dollar lawsuit against the federal  government, for copywriter, the 1  amendment, and the 5  amendment. However, the Federal  government owned it so they decided they could relocate it.  Site­specific sculpture is designed for the specific location, and not another venue New York Times newspaper editorial: After the court case was shut down, the art community  was stunned. The paper said, “The public has a right to say ‘no not here’.” In March of 1989: It was removed. The government still owns it today, in a metal salvage yard.    text pp. 64­65, 451­452  (Use more paper as needed) Fine Arts 101.1 Tuesday 2/16/16 Reminders: There is no class this Thursday 2/18/16. Instead, there are additional open office  hours Thursday, 12 noon­ 2:40pm in Honors 125C.  ­ About 60% of the test questions are from lecture and about 40% are from the text book, so  read the assigned readings.  ­ 9 out of the 15 study slides are on Exam 1. ­ Know artists, things in bold, art historical movements, style categories, and the story behind  each lecture slide.                                         ­ Look over pages 2, 13, 15, and 17 in the class packet more information. Topic: Talk about Exam One & Take Notes  Use extra paper as needed. Review the Packet material on the exam, studying, and sample questions. Exam One – Arrive on Time You must take the exam during the time & section in which you are officially enrolled. Bring your student I.D. card. You need to write your ID number on the exam material. Read the exam instructions in the Class Packet before you come to take the exam.  Make sure you bring a pen ­or­ pencil, with eraser that works well.    Good luck on the exam.  You will have plenty of time.  Stay calm and don't be nervous. Read the entire question and answer options and do not skim! Raise your hand if you have  questions. Review the Course Schedule on pages 2­3 for when you get the answer sheet returned, and how  to learn from mistakes. Answer sheets will be brought to the auditorium for only one week  following the exam.  Since the exams are comprehensive in terms of all the ideas and  vocabulary, you need your answer sheet to determine what you might need to relearn before the  next exam. There will be a class day set aside to learn from missed questions. That is your opportunity to  move ahead in the semester and not repeat errors. To be eligible for the make­up exam you need a valid documented excuse.  It is your responsibility to speak with me or send e­mail correspondence as soon as possible if  you miss the exam. I will send you a document about the make­up exam’s date and place. Remember:   The exam covers both text and lecture materials. Review Packet information.  Most everything is in the Packet: Read it! Fine Arts 101.1 Thursday 2/25/16 Reminders: Page 6 in the class packet has been revised (check blackboard and your WSU email  for information).  ­ Exam 2 has now been posted on blackboard.  ­ This Tuesday: Answer sheets will be returned and we will go over the exam. Ideas and  vocabulary are cumulative and comprehensive through the entire semester. Take notes and learn  from errors. Topic:  Film:   Edvard Munch The Scream The BBC production DVD that we will view today lasts 50 minutes, the entire class time. It is part of a series called The Private Life of a Masterpiece. The Scream by Edvard Munch, a Norwegian Modern Era artist   medium­large painting in oil, tempera and pastel on cardboard,     36” x 29”, 1893, National Gallery, Oslo  refer to text p. 396­397 The famous painting: The scream was an expressionistic painting; expressing pain, anxiety, and stress. ­ A universal message of feeling.  ­ Some say the painting can emit sounds of screaming/ pain.  ­ The figure in this painting is paralyzed/ lacks ability to move because of their eternal state.  Everything around the figure (the environment/landscape) is screaming. ­ The scene was an old road looking over Oslo. ­ It was also stolen in 1994, but later retrieved by a group of investigators.  The series of works on the same theme: The Scream, is displayed next to other works Munch  painted. Often the same theme: relationships with others, and the bitter conclusion of being in  love.  ­Painting can resemble a lonely world (a spiritual experience), or a man robbed of everything.  The inspiration, making, and history of this painting:  ­ Much said he “felt a scream piercing nature” in his diary. This was a real experience he had, it  was a terrible feeling he felt in a famous spot in Oslo. ­ This was a place artist’s in Oslo often painted, representing the city of Oslo. ­ From this place in Oslo, one could see a hospital women were sent to for having depression (his sister was in it), a slaughterhouse, and cemetery. It was also a spot his friend of his committed  suicide. ­ Munch projected his feelings about this spot, and his art changed the feeling of this spot.  ­ Munch suffered from sickness, insanity, and the death of his mother at a young age. While his  siblings had mental illness.  The reception to the work both now and then: ­ Back then, many did not understand this work.  ­ In 1937 in Germany, the Nazi took away The Scream, from a museum.  ­ Munch felt distant from Norway, and he felt unwelcomed/ successful.  ­ Can now symbolize modern stress/ anxiety. ­ May resemble a person’s relationship with the nature around them and the environment they  live in. The biographical and historical background of Edvard Munch: Munch often re­painted his  paintings, and reworked The Scream multiple times, changing little things each time.  Fine Arts 101.1 Tuesday 3/22/16 Announcements: ­Print new lecture slides, on blackboard.   ­Do the textbook readings which are in the updated syllabus on blackboard. ­There is no class Tuesday the 29 . th Topic:  Chapter 12 Ancient Empires/Gods ­ Pay attention to religion, culture, and monuments ­ These empires were united by the Mediterranean ­ Polytheism­ many gods ­ Monotheism­ one god Ancient Egypt:  ­ They were polytheistic  ­ Had exchanges/ personal relationships with gods ­ They were superstition (reason for some religious acts) ­ Narmer Palette: Was used for rituals and religion (Narmer was the king, and the palette  was used in sacrifice) ­ Hierarchy of scale: Who ever is largest, is also most important ­ Ground line: Shows perspective (depth, foreground, background) ­ Gods: were anthropomorphic (presented as animals or humans) ­ Viewer? The gods (statues were made to be viewed by the gods) ­ The Amarna Revolution: Gods were both male and female. The sun god was a woman  and extremely vibrant. Color made things more lifelike. Symmetry is beauty. ­ King Tut: buried in gold, for afterlife.  Greek art: ­ Polytheistic (12 main gods) ­ Romans had the same gods as Greeks ­ The Geometric Period: Grave/ funeral scenes on pottery. Animals in profile.  ­ The Archaic period: Statues were influenced by the Egyptian world.  ­ Nudity: often men; a god, hero, or warrior ­ Doric and Iconic columns: had different base, shaft, and capital. Often Doric was for  men, and Iconic was for women ­ The Early Classical Period: had contrapposto (shifting weight) ­ Sculptures with stumps indicated that they were copies.  Fine Arts 101.1 Thursday 3/24/16 Topic: Chapter 12 Ancient Empires/Gods Greek art:  ­ Contrapposto: shifting weight (“S” shape) ­ The Late Classical Period: All about movement in sculptures ­ The Hellenistic Period: About emotions. Theatrical with increased drama ­ Greeks: Democracy Roman: ­ Romans: Republic and later had an emperor ­ The Etruscans: The people before the Romans. They had temples that only had one door/  entry, with statues on the roof. ­ The Religion was he same: polytheistic ­ The Roman Republic: Often sculptures were naturalistic ­ Fresco: Painted plastic in wall ­ The Roman Empire: Had many concrete buildings with marble on the exterior. The  Colosseum used Greek columns.  ­ Arches were made when there was a battle victory. Usually to honor the emperor.  ­ Oculus: Opening eye in building. (Example: The Pantheon) ­ Someone wearing a toga in an alter showed they were important. (Example: Imperial  Procession) ­ Interior of the synagogue: (Example of fresco) Biblical figures are in togas. Comes from  the Hebrew bible, read left to right. ­ Continuous narration is like a comic strip, showing actions  ­ The Classical World: Column of Trajan is a battle victory column. It shows a story from  the base of the column to the top.  Fine Arts 101.1 Tuesday 3/1/16 Reminders: Know the information from the questions you got wrong on Exam 1, you will need  to know the vocabulary for exam 2.  Topic: Vietnam Veterans Memorial designed by Maya Ying Lin, 1981­83  Washington, D.C., large sculpture of black granite, each wing 246 feet long (492' total)      refer to text pp. 16­17 and the excerpt from "Maya Lin:  A Strong Clear Vision" Ms. Lin was a 21 year old student at the time she won the competition (winning over some 1400  other entrees).  As you watch the film, imagine yourself in her place, amongst the storm of  controversy.  Try also to put yourself in the shoes of the veterans against the memorial, those  who served their country fighting in a nasty and bloody war, then were scorned and rebuffed  upon their return home. The film:  "Maya Lin:  A Strong Clear Vision" Film maker:  Freida Lee Mock The original was 1 hour 30 minutes.  I've cut it to fit into our class time. Take notes; pay particular attention to: The history of the competition for the memorial and Ms. Lin's entry: There was a  competition put in place to decide what artist and what design would be chosen for the Vietnam  veterans memorial.  How Ms Lin came to enter it: Maya Lin was a student at Yale when she entered the  competition. Lin wanted the design to be about the people and not the politics. She wanted it to  be about honesty, pain, and acceptance. Her ideas when she visited the site for the proposed memorial: She went to Washington DC,  to look around at the landscape. Then she came up with a design that would be very long and  come out of the earth. She wanted one side to face the Washington monument, and the other to  face the Lincoln memorial.  Who were the jurors (in terms of profession): The jurors were landscape architects, structural  architects, experts on urban development and landscape, and sculptors. Note the protest and controversy over Lin's design: Many jurors and even veterans did not  like the design at first. ­Some said it was going to be an “unconventional” memorial. “A black whole,” “Sorrow or  shame…” That “Vietnam veterans hated it.” ­ Said it was “a negative political statement.”  ­ “A black scar” (Which was said by a veteran) How did the protestors want to change Lin's memorial: Some wanted to change the wall to  white, put a flagpole at the vertex of the wall, and keep the wall above ground. Others said to  keep the design but add a statue.  How did Lin feel about the proposed changes: She believed it ripped apart the meaning of  names, and forcing two different memorials into one. What was the compromise solution: That a flag would be added to the entry of the wall, and a  statue. NOTE:  For her winning memorial design, Maya Lin received $20,000. Frederick Hart, a professional sculptor, received $200,000 for his realistic memorial  sculpture. Fine Arts 101.1 Thursday 3/3/16 Reminders: Check your WSU email for any updates about class next week. Topic:  David by Michelangelo Buonarroti, Italian Renaissance   marble sculpture, ~twice life­size, sculpture and base about 18' high; the figure alone  stands ~ 13'5"   sculpted 1501­04; Michelangelo was 26 to 29 years old     now in the Academy Gallery / Accademia Galleria, Florence, Italy   refer to text pp. 31­32, 74­75, 163, 287­289, 292 Michelangelo described his creative process as:  “...liberating the figure from the marble that imprisons it” The Pieta in Rome: This was another sculpture Michelangelo worked on from 1498/9­1500.  Pieta mean “pity” in Italian, and the sculpture was a common theme.  ­Iconography – dead Jesus in the lap of his mother. ­Became very famous. ­He carved his name into Mary’s sash because two strangers thought it was someone else’s work  of art. However, Michelangelo rerated signing it, and thought he’d have hubris.  The David commission: It was commissioned by a church. Before Michelangelo, two previous  artists won the completion to create David, however they both did not because “there was a flaw  in the marble.”  ­ Michelangelo did not even have to compete, he began to work. ­ He was a workaholic. The subject and theme: David is holding a stone and slingshot, which is because of the biblical  story of David fighting against an enemy.  ­ David became symbolic to the people. Palazzo Vecchio: Where government took place. The David was to be put there (there is a  replica there now). ­Now in the Academy Gallery / Academia Galleria. Contrapposto The figures torso forms an S­curve, with most of the body’s weight resting  on one leg. It originated with the sculpture of ancient Greece to give statues a sense of life­ likeness. Michelangelo’s David was influenced by Classical aesthetics, but is distinctly a Renaissance  sculpture. ­ Many Renaissance were influenced by Classical artists. ­ Renaissance­ was a period of humanism (with naked sculptures).  Fine Arts 101.1 Tuesday 3/8/16 Reminders: There st no class this Thursday, instead it is a day to start working on the paper that  is due March 31  on blackboard.  Topic: “The Met Artist Project: Past and Present”  ­ Remember that all the information on the paper is also on the Blackboard site. Review the important parts of the assignment:  ­ Research both a contemporary artist, and a historical artist. ­ The paper must be 1000­1700 words (about 3­5 pages), double spaced.  ­ This is a narrative essay, which is like a story (for example, you can include your own  experience or how you relate to the work). Information on literacy sources:  ­ JSTOR is a good place for finding peer reviewed sources (Try browsing “art bulletin”  and search for artists). ­ You need 5 sources (both hard copies and online papers). MLA:  ­ Need both in text citation, (name of author, page number), and work cited page.


Buy Material

Are you sure you want to buy this material for

0 Karma

Buy Material

BOOM! Enjoy Your Free Notes!

We've added these Notes to your profile, click here to view them now.


You're already Subscribed!

Looks like you've already subscribed to StudySoup, you won't need to purchase another subscription to get this material. To access this material simply click 'View Full Document'

Why people love StudySoup

Bentley McCaw University of Florida

"I was shooting for a perfect 4.0 GPA this semester. Having StudySoup as a study aid was critical to helping me achieve my goal...and I nailed it!"

Janice Dongeun University of Washington

"I used the money I made selling my notes & study guides to pay for spring break in Olympia, Washington...which was Sweet!"

Jim McGreen Ohio University

"Knowing I can count on the Elite Notetaker in my class allows me to focus on what the professor is saying instead of just scribbling notes the whole time and falling behind."

Parker Thompson 500 Startups

"It's a great way for students to improve their educational experience and it seemed like a product that everybody wants, so all the people participating are winning."

Become an Elite Notetaker and start selling your notes online!

Refund Policy


All subscriptions to StudySoup are paid in full at the time of subscribing. To change your credit card information or to cancel your subscription, go to "Edit Settings". All credit card information will be available there. If you should decide to cancel your subscription, it will continue to be valid until the next payment period, as all payments for the current period were made in advance. For special circumstances, please email


StudySoup has more than 1 million course-specific study resources to help students study smarter. If you’re having trouble finding what you’re looking for, our customer support team can help you find what you need! Feel free to contact them here:

Recurring Subscriptions: If you have canceled your recurring subscription on the day of renewal and have not downloaded any documents, you may request a refund by submitting an email to

Satisfaction Guarantee: If you’re not satisfied with your subscription, you can contact us for further help. Contact must be made within 3 business days of your subscription purchase and your refund request will be subject for review.

Please Note: Refunds can never be provided more than 30 days after the initial purchase date regardless of your activity on the site.