New User Special Price Expires in

Let's log you in.

Sign in with Facebook


Don't have a StudySoup account? Create one here!


Create a StudySoup account

Be part of our community, it's free to join!

Sign up with Facebook


Create your account
By creating an account you agree to StudySoup's terms and conditions and privacy policy

Already have a StudySoup account? Login here

Lesson 3 - Blues, Ragtime, Jazz, & Gospel

by: Bianca Lopez

Lesson 3 - Blues, Ragtime, Jazz, & Gospel 89

Marketplace > Riverside City College > Music > 89 > Lesson 3 Blues Ragtime Jazz Gospel
Bianca Lopez
Riverside City College
GPA 3.5
View Full Document for 0 Karma

View Full Document


Unlock These Notes for FREE

Enter your email below and we will instantly email you these Notes for Music of Multicultural America

(Limited time offer)

Unlock Notes

Already have a StudySoup account? Login here

Unlock FREE Class Notes

Enter your email below to receive Music of Multicultural America notes

Everyone needs better class notes. Enter your email and we will send you notes for this class for free.

Unlock FREE notes

About this Document

This lesson covers Chapter 6,7, and 8.
Music of Multicultural America
Mr. Zubizarreta
Class Notes




Popular in Music of Multicultural America

Popular in Music

This 17 page Class Notes was uploaded by Bianca Lopez on Tuesday April 12, 2016. The Class Notes belongs to 89 at Riverside City College taught by Mr. Zubizarreta in Spring 2016. Since its upload, it has received 16 views. For similar materials see Music of Multicultural America in Music at Riverside City College.

Similar to 89 at Riverside City College


Reviews for Lesson 3 - Blues, Ragtime, Jazz, & Gospel


Report this Material


What is Karma?


Karma is the currency of StudySoup.

You can buy or earn more Karma at anytime and redeem it for class notes, study guides, flashcards, and more!

Date Created: 04/12/16
Lesson 3 ­ Notes Blues Ragtime Jazz Gospel The fact that slaves were forbidden to perform drum music in most of North America (with the exception of New Orleans, Louisiana) is the reason that West African rhythms did not  widely survive in the US.  They are, however, very prevalent in the Caribbean and Latin  America, where those traditional drums were not banned.  Ironically, what did survive  were the strong rhythmic pulses and strong tendencies to superimpose groups of different  beat patterns (polyrhythms).  Also, the microtonal “blue notes” reflecting the blending of  both African and European tonal practice emerged as a prevalent characteristic of this  cultural musical style. New Orleans was the exception to the general ban on drumming at the time, due to the fact  that slaves were permitted to freely practice their rituals and musical traditions.   New  Orleans, therefore, was central to the development of the close mixing of African and  European musical practices in the United States, and more specifically blues, ragtime, and  jazz. Ragtime music rivals blues music in importance, and perhaps surpasses it in influence as a predecessor to early jazz. In the early days of jazz in New Orleans the line between ragtime and jazz performances  were so fine that the two terms were often used interchangeably.  Nowadays we can make a clear distinction based on the historical studies and music analysis, but in the context of  African­American music at the turn­of­the­century (late 19  through early20th centuries)  in New Orleans, the grounds for such distinctions were far from clear. Blues The passionate and uniquely American art form known as blues was born in the fields,  street corners, and rustic “juke joints” of the Deep South in the late 1800s.  The blues  emerged as southern African Americans expressed the hardships, heartbreak, religion,  passion, and politics of their experiences through a blend of work songs, field hollers, and  spirituals. As we learned in Lesson 2, the most important antecedent of the blues was the spiritual, a  form of religious song of the early 19  century (1800s).  The first appearance of the blues is  not well­defined and is often dated between 1870 and 1900.  This time­period coincides with the emancipation of the African slaves and the transition from the mass labor on the large  plantation to small­scale agricultural productions such as crop­sharing (working a share of the farm by dividing the plantations into smaller parcels) in the southern United States. While the older music forms (work songs, hollers, dances, hymns, spirituals) represented  the life­style of the slaves, new musical forms were needed to meet the expressive demands  of what was a new reality to most free African Americans in their new life in the United  States.  Music that reflected more of a personal and individual expression and racial  oppression evolved from the unaccompanied vocal music of poor African­American  laborers.   It eventually developed into a wide variety of styles and sub­genres, with many  regionally specific characteristics and variations across the entire United States. One interesting reason for the lack of knowledge about the exact origins of the blues is that  the earliest blues musicians would wander through communities, leaving no record of  precisely what sort of music they played or from where it came.  This style of music was  passed in an oral tradition by people who possessed little or no literacy skills, and therefore written evidence or any type of documentation simply does not exist.  At the time, the blues  was generally regarded as a lower­class type music that was unfit for study,  documentation, or enjoyment by the middle and upper classes. Despite the ultimate termination of slavery in the United States, African Americans still  retained a very low poverty rate.  Members of the group were considered an inferior race  and social class during the late 1800s and early 1900s, and endured brutal racial and social  discrimination in many different forms. Blues music evolved when African Americans took their new­found freedom and had to  confront a society that had no place for them as free men and women.  As an artistic  impulse, and a reaction to this discrimination and suffering, arose the African­American  music form known as the blues. As a carry­over from the work songs that expressed the sadness and loneliness of the hard  life in the fields, its form is centered in the rhythm, focuses on the beat, and includes  flattened notes or “blue notes.”  The style generally places emphasis on lyrics, and  instruments commonly used include the guitar, banjo, piano, and harmonica.  Blues singers usually possess powerful voices which they use to express the universal pains and  heartaches of life. The Banjo The actual story of the banjo begins in the 17  century when African slaves in colonial  America began making and playing lute­type string instruments with drum­shaped gourd  bodies.  There were many different types of banjo­style instruments dependent upon the  individuals who made them, the African region from where he or she migrated, and the  materials available for construction.  All of these instruments shared certain structural  characteristics:  ● Gourd bodies, either round or oval, with an animal skin stretched over the  hollowed portion. ● Three or four strings, with the top­one being shorter and thicker for a lower  and deeper tone; specifically intended to be plucked by the thumb.  ● A full­stick neck which pierced the head of the gourd, and continued through the length of the body to also pierce the tail end. ● A stationary bridge which bears the strings sitting directly over the drum  area of the instrument. The banjo was a main feature of the African Americans who lived during the time of  slavery, and eventually became one of the most popular instruments in 19  century. The banjo is clearly a direct descendant of traditional African string instruments.   The  style of its playing, the actual construction of the instrument itself, and the social role it  plays in folk music closely resembles that of two typical African folk lutes, or string  instruments that resemble the guitar.  The African “akonting” and the “bania” are both  predecessors of our modern­day banjo.     They were typically made by hollowing out a gourd from a variety of squash or pumpkins,  and letting it become a dried shell.   They were then cut in half, and had a long neck  attached (again, like the shape of a guitar).  The slaves stretched a piece of animal hide over the bowl, and then attached three or four strings to either end of the instrument. These  African string instruments are perhaps the most important and concrete link that exists  between African and African­American music. The genetic trail continues with the early banjo’s successor, the wood­rimmed early 5­ string banjo from around 1840, and it carries on with the classic 5­string banjo (1880­1920) and the eventual development of the modern banjo family that we know today. The Songsters The banjo was the favored instrument of the “songsters” (remember Huddie Ledbetter? ­  “Leadbelly”), talented individuals who would play their music as pure entertainment in  “juke joints.”   These establishments were central places where members of the African­ American community could gather to socialize, dance, and listen to music.  Once they were  finally freed and were able and allowed to form individual family units, many  neighborhoods and communities established venues where they could enjoy personal time  at the end of the work day. Saturday nights were a great way to unwind and enjoy some  traditional leisure in the rural communities of the South.   These songsters were clearly the key musicians in the original development of the blues. The Standard 12­Bar Blues Progression: In the more technical terms of musical structure, the blues is a set of standard conventions,  a structured form, or a formula for a piece of music.  The blues form is a specific song  pattern also used in other styles of music that are inspired by the blues.  For example jazz,  rock, and rhythm ‘n blues all can have elements that originated with the blues style.  Blues started in the 1930s in order to help coordinate and organize the ensemble of  musicians who spontaneously began to play together.  Unlike unorganized improvisational  type music, these new types of players could start and stop together, providing a solid  harmonic foundation over which several different solo players could improvise. The use of a regular and steady harmonic progression (a sequence of chords) derived from  an individual key’s primary chords.   These are the chords built on the first, fourth, and  fifth notes of the scale.  In musical terms, the Roman numerals are used to refer to the  chords, and in this case: ● I    =  tonic     (first note of the scale) ● IV  =  subdominant   (fourth note of the scale) ● V  =  dominant  (fifth note of the scale) The term “12­bar” refers to the number of measures, or musical bars (three 4­bar­sections) used to express the theme of a typical blues song.  Nearly all blues music is written in this  progressive format, which imitates the “call­and­response” vocal tradition of African­ American slaves in the South.  It’s also played on 4/4 meter, which means that there are  four beats in each measure or bar (quadruple rhythm).  You should remember a “bar” is  the same as a “measure.”  The most common form of blues is the 12­bar pattern of chord changes.  That is, a repeated 12­bar chord progression.  This is called “12­Bar Blues.” In a blues song this 12­bar cycle gets repeated over and over through the course of the tune. The blues can be played in any key.  However, in whatever key that is the 12­bar blues uses the same sequence: I, IV and V chords.  It is most easily thought of as three 4­bar sections­ the first 4, the middle 4, and the last 4 bars: ● the first 4 bars use the I chord:  I   I   I   I    ● the middle 4 bars:  IV   IV   I  I    ● the last 4 bars:  V   IV   I  V The same pattern is then repeated. Melodically and harmonically, blues music is characterized by the use of the lower third  and dominant seventh (so­called “blue notes”) of the traditional major scale. The lyrics of a 12­bar blues song often follow what is known as an AAB form.  “A” refers  to the first and second four­bar verse, and “B” is the third four­bar verse.  In a 12­bar  blues, the first and second lines are repeated, and the third line is a response to them, often  with a twist. ~Below is an example of a 12­bar blues from “Dust My Broom” ­ broken down by  measures, beats, chords, and lyrics.   Not all blues songs follow the 12­bar pattern, but by examining this basic musical  structure, you will gain a deeper understanding and appreciation for all blues music, as  well as other styles, such as jazz and rock. As the blues migrated from the south, through the United States and around the world,  many different styles evolved, including:  the raw and passionate Delta blues of Robert  Johnson and Son House, the brassy New Orleans blues, the relaxed and upbeat Texas  blues, the Classic blues commercially popular, polished style in the 1920s which was  performed by women like blues greats Ma Rainey and Bessie Smith, the jug­band and  vaudeville­influenced Memphis blues, the amplified and urban Chicago blues of Muddy  Waters, the rock­heavy 1960s British blues of Eric Clapton and the Rolling Stones, and  many more… The blues has developed many distinctive forms throughout the 19  and 20  centuries.  It  can vary quite a bit depending upon geographical regions, as well as the adoption of  different types of instruments.  For this reason we find many unique styles and categories  of this particular musical genre. Blues styles: ● Country or Rural Blues:  This is the earliest blues style, beginning just after  the Civil War (1865) and continuing into the 1920s.  It is characterized by solo vocal  performers and a very free structural musical form. Little or no standards set for  harmonic progressions or lyric patterns.  Obviously the result of self­expression and individual musical freedom.   For example, the singer might open and end the  performance with spoken words, rather than any song lyrics being sung.  The singer could use a wide variety of singing techniques, including rough, growling tones  contrasted with falsetto.    It’s accompanied usually by banjo or guitar, and  occasionally harmonica.  Also very common was the use of a knife or even a glass  bottle as a barre (pressing all the strings at the same time with the object, usually  sliding it up and down the neck of the banjo or guitar) to produce different sound  effects.   Son House and Charlie Patton are 2 famous artists who sang country blues. ● City or Classic Blues:  While the most early blues performers had  traditionally been male, in the 1920s and 1930s a new style developed that was  performed by female vocalists.  It was accompanied by instrumental ensemble and  piano, instead of only banjo and guitar, as in country blues.  It often reflected the  gradual migration of African Americans from traditionally rural settings into more  urban environments.  The first actual recording of a commercial blues piece was  released in 1920 by the General Phonographic Company.  It featured Mammie  Smith performing “Crazy Blues” and it sold over 75,000 copies in its first month,  immediately making this style of composed blues widely popular.  This original  recording served as the primary influence of future recordings by artists such as  Edith Wilson, Ma Rainey, and Bessie Smith.  They shared the characteristic use of  the AAB form.  The 12­bar­blues format had been firmly established.  The classic  blues became strongly influenced by other forms of music, including jazz. Minstrel  shows, circuses, vaudeville, and other sources of traveling music in the South also  had strong ● Piano Blues:  This style of piano playing truly developed during the 1920s.  It is characterized by the use of the standard 12­bar­blues progression and very  individual expressive effects, including the unique piano technique of playing two or more keys, not exactly at the same time, producing the “blue notes.”  Also, the use of the harmonica, which allowed for a great variety of musical effects, was very  distinctive in this blues style.  Two important cities known for their contribution to  the piano being introduced in blues were Chicago and Detroit.  Both were urban  centers of migration, and were becoming heavily inhabited by the African­American community.  This specific type of blues developed several different “bass patterns”  under which the sub­categories of “Boogie­Woogie” and “Barrelhouse Blues” were  formed.   Boogie­Woogie was a piano blues style favored in bars presenting fast  tempo playing, very percussive and forceful, with a repetitive left­hand figure.   Barrelhouse Blues developed by southern blues pianists who played in “barrelhouse  jukes,” gathering places for singing and dancing that had two planks over a barrel  on which to serve drinks.  This piano style featured a left­hand repetitive pattern  called “stomping” or playing a “walking bass” of broken chords or octaves moving  through the 12­bar­blues progression.  Simultaneously, the right hand played a  syncopated melody, a mutually similar and very distinct characteristic of ragtime.   ● Urban, Modern, or Contemporary Blues:  style of singing strongly influenced by jazz and the popularity of the nightclubs where the use of “background music”  developed.  Because of the noisy environment under which this blues style was  performed the singers would use a “shouting” technique.  The accompanying  musical ensemble, as well as the piano, and sound­amplified instruments such as  electric guitar, percussion, and saxophone were also used.  This style is also  characterized by the use of the 12­bar­blues form and harmonic pattern, as well as  the use of “riffs” or short melodic phrases, repeated as an accompaniment in  coordination with the harmonic progressions.  Joe Turner, T­Bone Walker, and B.  B. King are musicians who performed in this modern blues style.   ● Rhythm ‘n’ Blues:  style of blues music in the late 1940s and 1950s  performed primarily for dancing.  The vocal line emphasized the rhythm rather  than the meaning of the words, and singers would be slightly ahead of or behind the  beat provided by the instrumental ensemble.  This style is characterized by a much  faster tempo than traditional blues.  The 12­bar­blues pattern is also used in this  style, though the AAB form was later replaced by AABA or ABAB.  The use of  amplified electric instruments such as the guitar, organ, and bass, as well as  occasional saxophones and trumpets were a main characteristic of this popular  musical style.  John Lee Hooker, “Little Richard” Peniman, and Chuck Berry, are a few of the early musicians who were known to sing Rhythm ‘n Blues.  This style of  music is the most influential predecessor of Rock ‘n’ Roll. African Americans had plenty to be blue about in the years after World War II (1941­ 1945).  Though black Americans had fought in large numbers and had distinguished  themselves in “the war to make the world safe for democracy,” they found that at home  they did not enjoy the freedoms that they had fought for abroad.  They were still second­ class citizens in the North, and little more than slaves in the South.  This social resentment  th was reflected in their music in mid­20  century America. The more intimate expressive blues styles were evolving and taking a new form, being  projected, amplified, and performed directly into the faces of the audience…blues music  was becoming more of a show­performance. By 1955, postwar prosperity had found its way to the recording business.  More and more  people were buying records and record players, and one could see jukeboxes were  everywhere.   This is the time when white America was becoming more interested in black  music.  For example Dina Washington, an important blues singer of this period, earned the title “Queen of the Blues.”  And in Chicago, the Chess Record Company already had  contracts with bluesmen Muddy Waters and Howlin’ Wolf and was actively seeking more.   T­bone Walker is a clear example of this time, and his mastery of the electric guitar and  sound effects were widely influential in later musicians. African Americans in the 1940s and 1950s were developing an outgrowth of rhythm ‘n’  blues music into a genre called rock ‘n roll, which featured a very strong back beat. The late 1950s also saw a significant increased popularity of hard blues both in the United  States and United Kingdom.  And in 1959, Motown Records was founded as the first record label to primarily feature African­American artists aimed at achieving crossover success.   This record label also developed an innovative and commercially successful style of soul  music with distinctive pop elements, and some of its artists were The Temptations, The  Supremes, and famous divas such as Aretha Franklin, but we will be covering these artists  later in the course. In the United Kingdom, British blues became a mainstream phenomenon, returning to the  USA in the form of the British Invasion.  New bands led by The Beatles and The Rolling  Stones performed blues and rhythm ‘n’ blues inspired styles with both traditional and  modernized aspects.  By the end of the 1960s, many black musicians were part of the early  heavy metal trends, particularly Jimmy Hendrix, who was the primary innovator on the  electric guitar and the first guitarist to use sound­effect­pedals such as the “wah­wah­ pedal.” Ragtime After the Civil War, military band instruments were plentiful and could be bought for very little price.  There were also make­shift instruments and musicians strummed on home­ made banjos and guitars, played old pianos, blew horns, and beat on drums.  Their music  came not from a book, but from their hearts, and the main motive was pleasure rather  than financial reward or fame. “Ragging” is a technique that was commonly used by the African American slaves as early  as the 18  century, usually playing the banjo, and consisted of blending the complex  African rhythmic patterns with European songs and dances, and creating syncopated  cross­rhythms that would emphasize the off­beats.  This musical style was the precursor of  the later “ragging” on the piano that became so popular during the urban migration, as  thousands of African Americans left the repressive rural South and started moving to the  cities in the North. Ragtime became popular around 1900.  It was highly rhythmic and syncopated music  played on the piano, with the left ­hand playing a regular and straight­forward rhythmic  pattern, while the right hand played syncopated “rhythmic acrobatics” in a bright and  cheerful melody.  The result was such a full piano sound that no other instruments were  required.  This style of performance became known as “ragging” or “ragged time” at some  point in the 19  century, a term that likely served as the source for the title “ragtime.” One of those African Americans who left the rural South and moved to the North (St.  Louis, Missouri) being a teenager, was Scott Joplin, the best known ragtime writer whose  fame came from such songs as “The Entertainer” and “Maple Leaf Rag.”  Joplin was born  in Texarkana, Texas, in 1868, and his father was a former slave who had played the violin  for house parties given by a local slave­owner.  Joplin’s mother also was musically gifted  and played the banjo and sang.  The banjo may have had a particular impact on Joplin’s  musical development as the syncopated rhythms of African­American banjo music are  clear predecessors of that later piano rag style. St. Louis was a major railroad center and also had a very successful river­port.  The city  was quickly growing economically and therefore all kinds of social venues such as theaters,  nightclubs, saloons, and dance halls were being established. Within that rapidly changing city life is where Scott Joplin got his first job as a piano  player at a saloon, and in the next few years through many hours of piano playing, he  developed his own personal, highly technical “ragging” skills.   Around 1897, Joplin wrote the “Maple Leaf Rag,” a composition that would soon become  the most famous ragtime piece of its day. It was published two years later only selling 400  copies, but in the fall of 1900 it caught­on with the general public, eventually becoming the  first piece of sheet music to sell more than one million copies.  The left­hand rhythmic structures of ragtime were very influential in a whole generation of jazz pianists who adopted its use and developed new musical styles based on that uniquely  individual rhythmic pattern. As we have learned, the blues grew out of the songs of the slaves and has a sorrowful sound and message.   Jazz Jazz was born in New Orleans with both Africa and Europe as its parents.  Although the  precise date of origin is unknown, it is clear that by the start of the 20  century jazz was  emerging in New Orleans’ greatly diverse “melting pot” as a distinct musical form. Jazz is thought to have borrowed from a wide variety of sources and reflects a fusion of  different musical styles that coexisted at the time: W.C. Handy’s songs, Scott Joplin’s  ragtime, folk music, traditional slave songs, religious hymns and spirituals, blues songs, the music of the greatly popular brass bands, and even parts of old French and Spanish music  heard in Louisiana. A fundamental attribute of New Orleans was the year­round party atmosphere.  This was  not New York’s melting pot, which was very competitive in nature; this was a melting pot  that allowed for a great deal of fun.  Music was always in demand, as paid entertainment,  as well as a contribution to the endless street party atmosphere.  In other cities ethnicity  was a problem, but in New Orleans ethnicity was an opportunity to improve the party, as  each ethnic group brought its own individual style of music and dances to the mix. As we have noted earlier, jazz music developed on the heels of the blues and ragtime.   However, unlike blues and ragtime, jazz music was meant for dancing and movement.   Jazz reached the height of its popularity during a period called the “Roaring 20s” when the musical mood was more upbeat.  The quick­tempo music of jazz was composed to reflect  this new social mood.  Although jazz music did include lyrics and also used the “call­and­ response” style, it placed a heavier emphasis on instruments.  Popular jazz instruments  include the saxophone, trumpet, trombone, piano, string bass, and the drums.   As new instruments were incorporated some musical habits developed, such as the “riff,” a  rhythmic phrase repeated several times, or the “break,” a brief solo during a pause by the  ensemble. So…jazz music was very much a continuation of blues music; however, jazz took  advantage of the instruments of the marching band.  The jazz musicians were basically  “singing” just like the blues singers, even though they were playing an instrument instead  of using their voices.   The call­and­response structure was also replicated in the dialogue between solo  instrument and ensemble.  The marching bands contributed the instruments, blues singers  contributed the improvisation, and ragtime contributed the rhythmic syncopation. Jazz, as a separate genre of music, was born out of syncopation and collective improvisation. Improvisation is the expression of musical freedom.  It is the most defining feature of jazz  music, and though jazz musicians play from printed music, the most important aspect of  this musical genre is the improvisation of solos within that rigid structure.  From the  collective improvisation of early jazz, to the solo improvisation of Louis Armstrong, and  then to the free­style jazz of Ornette Coleman and John Coltrane, improvisation is central  to the jazz genre. Jazz music developed during a time when African Americans were more concerned with  being accepted by mainstream American culture than connecting with their African  heritage, and as a result jazz music was ultimately more closely linked to European music  in style than to African music. Jazz was an American phenomenon, not an African one. The roots of jazz music were in the South of the US.  There was little relationship between  the instruments of jazz and the original instruments of the West African slaves.  The  instruments of jazz came from European brass bands.  Basically, jazz was the product of  African Americans who had not been slaves; they were Americans, USA citizens, though  living under marginalized conditions.   Jazz was the product of urban black musicians from New Orleans, and then Chicago, and later New York. Another aspect of jazz music that took a clear departure from blues music was that, where  blues music was exclusively performed by black musicians, jazz music was as inter­racial  as the multicultural New Orleans.  Jazz music was performed by African Americans,  European Americans, Creoles, and all sorts of American immigrants living in the wide  ethnic variety of New Orleans. ● “Creoles of Color” ● “New Orleans as a Multiethnic and Multiracial city” ● “The Proliferation of Instrumental Bands” ● “Change in the Status of the Creoles of Color” ● Break­Out Two: “The New Orleans Creoles of Color” At the time that the predominantly jazz instrumentalists were creating new jazz sounds,  dozens of African American female singers were creating new blues sounds, as we covered  earlier under “City or Classic Blues” (remember Mammie Smith, Edith Wilson, Ma  Rainey, and Bessie Smith?) These legendary female vocalists of the early classic blues style were the original jazz  singers.  They started to incorporate a jazz touch of improvisation through their  performances in the late 1920s.  It wasn’t the way of improvising on a melody or tune like  the instrumentalists did, but more a sense of changing the inflection and phrasing of the  lyrics and making the words more personal and meaningful.  This style of singing became  the standard “jazz phrasing” of later jazz singers such as Billie Holiday and Ella  Fitzgerald, who became famous in relation with the big bands. Louis Armstrong is one of most influential artist in the history of jazz.  He was born in New Orleans in 1901 and began playing the cornet at the age of 13.  Armstrong perfected the  improvised jazz solo as we know it.  Before Armstrong, New Orleans Style Jazz and  Dixieland were the styles of jazz that everyone was playing, both featuring collective  improvisation where everyone had a solo at once.  But Armstrong developed the idea of  musicians playing during breaks that expanded into musicians playing individual solos,  and this soon became the norm. Main differences between New Orleans Style Jazz and Dixieland Jazz: ● New Orleans Style: earliest jazz style performed by ensembles of 6 black  musicians, and all improvised at the same time creating polyphony. ● Dixieland: New Orleans style jazz played by white musicians, first recorded  in 1917 by a group called “The Original Dixieland Jazz Band.” Jazz Styles  “Stylistic categories” ● New Orleans Style, Hot Jazz, and Dixieland ● Big Band/Swing, Kansas City Style, and Gypsy Jazz ● Bebop ● Cool Jazz and Bossa Nova (Brazilian Jazz) ● Hard Bop, Soul Jazz, and Groove ● Afro­Cuban or Latin Jazz ● Avant­Garde, Free Jazz, and Modal Jazz ● Fusion, Acid Jazz, European/House Jazz ● Smooth Jazz  The Big Band Era, also called the Swing Era, developed in the 1930s from the New Orleans Style Jazz.  Swing is the basic rhythm of jazz, the desire to dance, move with the music, and feel the strong beat under your feet.  Swing as a jazz style was born during the Great  Depression, when the optimistic feeling of swing lifted the spirits of everyone in America.   Swing dancing had become America’s national dance and big bands adopted this style of  music.  Orchestra leaders such as Duke Ellington and Benny Goodman led some of the  greatest bands of the era. The golden years of big­band music came to an end in the 1940s, with the beginning of  “modern jazz.”  Modern jazz grew out of the swing era, and its major musicians had  played in the big swing bands of the 1930s.  In the early 1940s jazz musicians in New York  were looking for new directions to explore trying to move away from the highly  commercialized Big Band sounds.  A new jazz style was born, called Bebop, which was  directed to listening audiences instead of dancing crowds.  Bebop is characterized by fast  tempos, smaller instrumental ensembles, intricate melodies, and more complex and free  harmonic progressions than before.   Bebop was considered jazz for intellectuals. Louis Armstrong first made famous “do wop do bop.” Alto, saxophonist Charlie Parker and pianist Thelonious Monk were originators of this  innovative musical jazz style.   Nat King Cole was very important in the transition from swing jazz to modern jazz.  He  was one of the first pianists to introduce a lighter, more streamlined style of playing.  For  black music, the 1940s were important years of musical development, when America  experienced the first successful crossover into the “white music” world by a few black  musicians like Nat King Cole.  In the next 2 decades, these developments would continue,  and flourish even further.  In the 1950s jazz expanded beyond the borders with Latin and Afro­Cuban Jazz.  The  combination of African, Spanish, and native cultures in Latin America created a unique  style of music and dance.  Jazz musicians from the West Coast to the East Coast combined  their music with Latin sounds to create a unique and powerful blend.  When musicians  from Cuba began to play with jazz musicians in New York, the circle was complete by  combining the music traditions of North, Central and South America, and the Caribbean. Latin Jazz celebrates our musical differences and helps us find a common ground. So...we realize now that by the 1940s cover versions of African­American songs were  commonplace, and frequently topped the music charts, while the original musicians found  success among their African­American audience, but not in mainstream.  Musical  recognition and broad success will come later for jazz musicians in the late 1940s and early  1950s.   Interestingly enough…in 1955, Thurman Ruth, who got his start in vaudeville in 1927  (gospel singer, deejay, and concert promoter) persuaded a gospel group, the Selah Jubilee  Singers, to sing in a secular setting.  They were the first gospel group to play at a  commercial theater, the famous Apollo Theater in New York City, with such overwhelming success that he arranged gospel caravans that traveled around the country, playing the  same venues that rhythm ‘n’ blues singers had popularized before. Gospel When the slaves arrived from Africa to North America, they brought nothing, except for  memories and their strong musical heritage.  As we know, in America the slave­owners  deliberately separated most slaves from their families and their tribe members, in order to  break them down and assimilate them to the new culture.  Culture shock and language  barriers also helped increase the general confusion among the slaves.  The only thing the  slaves had in common was their music. One of the principles used to justify slavery was the supposition that Africans were an  uncivilized and pagan group.  In an effort to convert Africans to Christianity and to “save  their souls,” slave­owners made them learn the Christian Bible and attend regular church  services.  Also, one of the major concerns of colonial clergymen was the matter of  converting the slaves to Christianity, and since most slaves felt emotionally divided out of  the extreme brutality they lived under and the culture shock, they easily absorbed the new  message of the Christian religion.  Many slaves identified with, and were absorbed by, stories out of the Bible.  They needed a  strong message of faith while they endured the hardships of their new life­style and the  long hours working on the plantation fields. Nevertheless, African­ American church services remained segregated from white services  for many years to come.  As a result, African­American congregations developed a unique  style of hymns that would later evolve into what would be known as gospel music.   Gospel music descended from the original “spirituals” sang by slaves on the plantations.   Songs such as “Go Down Moses,” “When the Saints Go Marching In,” and “Swing Low  Sweet Chariot” included messages of hope, anger and anguish.  Like the blues and jazz,  gospel music also included the African “call­and­response” format.  Gospel music utilizes  instruments such as the piano and the organ, and includes the use of multi­vocal choirs.   Even today, the African­American church continues to be a significant cornerstone of  Gospel music and has helped it to achieve worldwide popularity. The slaves also linked the promise of an afterlife with earthly freedom.  Since they were  “allowed” to sing only about Christian ethics and ideals, they eventually turned the hymns  they learned into their own forms of religious folk music.  These songs became spirituals.   Hidden in them was a secret code to give one another messages of hope and freedom.   “Canaan” meant Canada, the land of freedom.  “Going up yonder” meant going north.   “Moses” was a name for Harriet Tubman, the founder of the under­ground railroad.   “Swing Low, Sweet Chariot” was a song about taking that under­ground railroad north to  freedom (the swinging low of the sweet chariot is the rocking rhythm of a train.)  In the midst of excruciatingly difficult lives, slaves used these songs to inspire inner  strength and courage.  By borrowing from protestant hymns, reworking them, and then  making up new melodies and harmonies, spirituals became the first authentically American sacred music. The abolishment of slavery in 1865 meant several things to the music culture of African  Americans.  It became easier for the slaves to practice their religion and by that, also their  music.  Also, the number of black churches in the South grew rapidly during the  Reconstruction Era.  As the number of churches grew, the slaves brought with them their  music and their spirituals into the churches, and filled their religious services with  inspiring and uplifting congregational songs. The black church became a virtual school of music, which came to produce many talented  musicians, as well as taking the evolvement of all music even further.  With the  development of spirituals the first musical foundations were set for what eventually came  to be known as Gospel Music. Modern gospel music started in the 1930s when Thomas Dorsey, considered the “Father of  Contemporary Gospel Music” created songs of praise that were much more exuberant that the usual solemn church hymns.  Gospel music took flight when more artists singing in this  style came out, further making the way for the development of this musical style. Below is a chronological list of significant events in history that influenced the importance  of Gospel Music:  ● 1921 – The National Baptist Convention publishes the songbook “Gospel  Pearls,” the first collection of hymns from a major African­American denomination  to include selections of the new music that would become known as gospel. ● 1931 – Theodore Frye and Thomas Dorsey create the first gospel chorus. ● 1938 – Sister Rosetta Tharpe scores the first million­selling gospel record  with the hit single “This Train.”  Tharpe was the dominant music performer of the  late 1930s and 1940s, mixing soulful guitar and big band accompaniment with  sacred lyric. ● 1945­1965 – The Golden Age of Gospel – due to its unprecedented popularity – being dominated by soloists such as Mahalia Jackson and groups like Swan  Silvertones, the Caravans, and the Original Gospel Harmonettes.  Perhaps the most  important group to this expansion beyond the Church was the Clara Ward Singers. ● 1967 – “Oh Happy Day” is recorded by the Northern California State Youth  Choir.  This one song almost single­handedly creates the genre known as  contemporary gospel.  In 1969, the recording of this same song by the Edwin  Hawkins Singers reached number 4 on the Billboard chart. There is also a secularized form of American gospel music called soul, which can be  described as a fusion of gospel with rhythm ‘n’ blues.  It was developed in the 1950s by  music pioneers Jackie Wilson and Sam Cooke.  Cooke became the first major gospel star to crossover to soul with the song “You Send Me.”  Between the years of 1955 and 1957 Ray  Charles took a huge chance by arranging and re­writing traditional gospel tunes and very  successfully turning them into popular hits of soul­style music, such as “I’ve Got a  Woman” and “Hallelujah, I Love Her So.”  Today, gospel music is performed all over the world, with many artists gaining popularity  and a large base of faithful music fans.  The styles of gospel may vary from artist to artist,  but the fact remains that gospel music is still an enthusiastic genre of musical expression,  and will continue to enjoy support throughout the world.


Buy Material

Are you sure you want to buy this material for

0 Karma

Buy Material

BOOM! Enjoy Your Free Notes!

We've added these Notes to your profile, click here to view them now.


You're already Subscribed!

Looks like you've already subscribed to StudySoup, you won't need to purchase another subscription to get this material. To access this material simply click 'View Full Document'

Why people love StudySoup

Steve Martinelli UC Los Angeles

"There's no way I would have passed my Organic Chemistry class this semester without the notes and study guides I got from StudySoup."

Allison Fischer University of Alabama

"I signed up to be an Elite Notetaker with 2 of my sorority sisters this semester. We just posted our notes weekly and were each making over $600 per month. I LOVE StudySoup!"

Bentley McCaw University of Florida

"I was shooting for a perfect 4.0 GPA this semester. Having StudySoup as a study aid was critical to helping me achieve my goal...and I nailed it!"

Parker Thompson 500 Startups

"It's a great way for students to improve their educational experience and it seemed like a product that everybody wants, so all the people participating are winning."

Become an Elite Notetaker and start selling your notes online!

Refund Policy


All subscriptions to StudySoup are paid in full at the time of subscribing. To change your credit card information or to cancel your subscription, go to "Edit Settings". All credit card information will be available there. If you should decide to cancel your subscription, it will continue to be valid until the next payment period, as all payments for the current period were made in advance. For special circumstances, please email


StudySoup has more than 1 million course-specific study resources to help students study smarter. If you’re having trouble finding what you’re looking for, our customer support team can help you find what you need! Feel free to contact them here:

Recurring Subscriptions: If you have canceled your recurring subscription on the day of renewal and have not downloaded any documents, you may request a refund by submitting an email to

Satisfaction Guarantee: If you’re not satisfied with your subscription, you can contact us for further help. Contact must be made within 3 business days of your subscription purchase and your refund request will be subject for review.

Please Note: Refunds can never be provided more than 30 days after the initial purchase date regardless of your activity on the site.